El material empleado en esta obra es en sí mismo el elemento de ruptura, de subversión, pero, yuxtapuesto a todo lo que representa Marylin Monroe, se convierte en una crítica a los excesos de la sociedad consumista y a los ídolos de esa misma sociedad con sus nuevos valores puestos en la droga, la imagen, la belleza una sola belleza, la prototípica y la falta de humanidad.
En esta obra, la clave no está en la configuración de los elementos, sino precisamente en la cocaína empleada como material, ya que si el espectador no supiera que se trata de cocaína quizá haría una lectura muy distinta de la obra. Otro caso interesante en cuanto a la incorporación de nuevos materiales en el arte contemporáneo es el denominado land art o earth art movimiento que surgió en Estados Unidos a finales de los años sesenta.
Consiste en emplear el paisaje como material visual para crear la obra de arte. Las obras se ubican, pues, en exteriores, en ambientes naturales como bosques, selvas, montañas o desiertos, lejos de la civilización.
Debido a los materiales empleados rocas, árboles, arrecifes, plantas , con el tiempo, la obra pasa por procesos de erosión y transformación. Gracias a estos cambios, muchas de las obras ya no existen en la naturaleza la naturaleza misma, su material mismo, las ha borrado o consumido y sólo quedan registros en fotografía o video.
El uso de materiales perecederos o tomados de la naturaleza añadió un carácter efímero y fugaz a estas manifestaciones artísticas, convirtiéndose de esta manera en obras hechas de tiempo. El vacío se convirtió en material, vehículo y tema de la obra de arte para las artes plásticas de la misma manera en que los blancos activos del papel cobraron carácter significativo en la poesía visual a partir de Mallarmé.
Una vez ejemplificada mínimamente la inclusión de nuevos materiales en las artes plásticas, podemos regresar a lo que sucede de manera paralela en el poema visual.
Los poemas visuales ya no se inscriben únicamente en la blancura o el color del papel, sino también exploran nuevas texturas y dimensiones. El poema visual ocupa espacios urbanos al inscribirse en los muros de las ciudades, en bardas y edificios, con lo cual no sólo se aleja de los límites de tamaño del libro, por grande que éste sea, sino que cobra dimensiones que en ocasiones llegan a ser monumentales.
Al salir de la página y ubicarse en este tipo de espacios, muy grandes en comparación con las dimensiones comunes del libro, los poemurales son muestra de una nueva relación entre la poesía y el espacio.
De este modo, con estas propuestas, el perceptor ya no es quien acude a una librería o biblioteca, abre un libro y lee. En muchas ocasiones, lee o participa de la obra porque ésta acudió a su encuentro o apareció de repente.
Decididamente, esto revolucionó nuestra manera de concebir el objeto de arte, los espacios artísticos y nuestra relación con ambos. En la incorporación de nuevos materiales al poema visual, no podemos dejar de señalar el caso del poeta chileno Raúl Zurita.
No se ha dedicado de lleno a la poesía visual ni se caracteriza por ser un poeta visual. Sin embargo, algo que sí caracteriza a este poeta es la búsqueda y creación de una poesía crítica, reflexiva, innovadora y extrema.
Para este efecto, la pluma de Zurita fueron cinco aviones que escribieron con letras de humo blanco a 6 km de altura. Cada frase midió, aproximadamente, 8 km de largo y pudo ser vista desde muchos lugares de la ciudad.
Así, Zurita abandona los materiales que se emplean comúnmente para escribir, pintar o dibujar y en su lugar emplea un avión. No es su mano la que escribe el poema, sino una máquina que revolucionó nuestra percepción del mundo: el avión. Las letras ya no son un rastro de tinta, ni siquiera de óleo o acuarela, sino humo hecho signo.
Para Zurita había dos obras, la que se plasmó en el cielo de Nueva York y la que él vio exclusivamente con los ojos de la mente, temporalmente cegado por el ácido. Podría ser una de nuestras primeras interrogantes. Fue un acto dotado de una inmediatez absoluta. El rumbo de una obra de esta naturaleza depende incluso de azarosas condiciones climáticas que la determinan.
Es claro que uno puede ver una y otra vez las fotografías de cada una de las frases del poema, pero de ninguna manera eso es comparable a lo que tuvo lugar aquel 2 de junio. Cada lector vio-leyó el texto desde un lugar distinto la calle, la azotea de algún edificio, desde la ventana de una oficina, de un comercio , muchos quizá sólo vieron letras y no pudieron aprehender el mensaje dado que estaba en español.
Quizá hubo quienes leyeron nada más una o dos de las frases y no tuvieron la experiencia del poema integral, otros quizá leyeron cada una de las frases de principio a fin. En estas propuestas, los materiales de configuración de los poemas fueron humo y caliche, la tecnología en la forma del avión y la excavadora fue la pluma.
Textos de varios kilómetros de extensión, poemas cuyo sentido intenta ser tan profundo y englobador que pretenden también abarcar el mayor espacio posible. Si con propuestas como las de los futuristas, los poetas concretos o los creadores de poemas-objeto la poesía visual se dotó de nuevo cuerpo, materialidad y tridimensionalidad, con propuestas como las de Zurita el poema creció, se elevó, evolucionó y desapareció según el propio ritmo de sus materiales.
El material mismo, resistente y duro, alude al mensaje: no tener pena ni miedo, resistir con entereza y no olvidar los horrores de la dictadura militar. Este es el caso de la holopoesía, también llamada poesía hologramática o poesía holográfica.
Los holopoemas son poemas creados con rayos láser, en los que las letras tridimensionales flotan y se mueven en el espacio; varían de color, de textura y de aspecto en el tiempo o según la posición desde las cual los contempla el perceptor. El holograma no es un soporte que permite reproducir textos que han sido ideados para alojarse en otros medios.
El propósito de los holopoetas consiste en crear una escritura verdaderamente holográfica, es decir, una escritura que no pueda transponerse a otros medios. La palabra, liberada de la página y de otros materiales tangibles, invade el espacio y obliga a leer de una manera dinámica: el perceptor debe desplazarse alrededor del texto en busca de los significados y relaciones que crea la combinación de palabras en el espacio vacío.
Así pues, un holopoema se lee de forma fragmentaria, mediante un movimiento irregular y discontinuo y se percibe de manera diferente según la perspectiva desde la que se le observa.
Inmaterialidad, transformación, dinamismo, discontinuidad, fragmentación, irregularidad, inestabilidad, mutabilidad son las características del holopoema y su material principal es la luz, un elemento que no habíamos visto antes incorporado a la poesía.
Por otro lado, tanto la videopoesía como la ciberpoesía emplean como soporte una pantalla o monitor y como material la luz proveniente de la máquina, así como el movimiento, el color y el sonido que permite incorporar una computadora. El proceso de creación es sumamente sofisticado y consiste en una serie de pasos de programación en los que el autor se asemeja a un técnico en informática, para lo cual tiene que contar con conocimientos en materia cibernética, o bien, poner el concepto de la obra en manos de alguien que cuente con ellos.
En este caso, la superficie donde aparece el texto, es decir, el soporte, es incluso más importante que el texto mismo, pues el efecto radica precisamente en que el poema está escrito en algo tan único e íntimo como la piel de una persona. En otras, los poemas están literalmente tatuados sobre la piel del sujeto-libro y no pueden ser eliminados ni borrados con facilidad.
Usar la piel como página plantea el deseo de fundirse con el poema, de borrar los límites entre el arte la obra y los sujetos que lo perciben. Dependiendo de dónde se encuentre el poema, resultará visible o no para quien lo lleva escrito. Por ejemplo, si el texto está en la espalda, quien lleva el poema no puede verlo a menos que emplee un espejo, a diferencia de si lo lleva escrito en la muñeca o en el muslo.
El lugar donde esté escrito el texto tendrá influencia en cómo lo lee y cómo se relaciona con quien lo lleva escrito, pero también afectará la manera de leerlo y percibirlo de los demás. La poesía en la piel irrumpe en el terreno de lo íntimo, en la esfera de lo privado. No cualquiera tendrá acceso a un poema escrito en la espalda, la pierna o el pecho de alguien.
De modo que el hecho de quién va a ver el poema ya no depende sólo del artista, sino de la superficie de inscripción, un ser humano con voluntad de decidir cuándo, dónde y quién mira su piel y quién no. Las propuestas de ciberpoesía se publican y difunden vía Internet, lo cual hace posible acceder a una cantidad exponencial de perceptores que se convierten en configuradores de la obra puesto que la pueden manipular y que pueden encontrarse en latitudes muy diversas.
En este caso, ya no tienes que ir al museo o a la galería para ver el poema-objeto, no tienes que tener la suerte de haberte encontrado bajo el cielo de Nueva York el 2 de junio de , ni tienes que trasladarte al desierto de Atacama para leer el texto; no tienes siquiera que ir a buscar un libro y ver-leer el poema visual.
Con sólo apretar unas cuantas teclas, literalmente miles de propuestas de ciberpoesía aparecen dondequiera que estés con una computadora. Esto revoluciona, evidentemente, no solo cómo nos acercamos al poema visual, sino también dónde lo hacemos y de qué manera.
La poesía visual contemporánea se caracteriza por la flexibilidad de sus propuestas. Nuevos materiales, nuevas configuraciones, nuevas lecturas, nuevas reflexiones. Papel, tinta, óleo, recortes, madera, vidrio, plexiglás, metal, cielo, humo, viento, caliche, luz, pantallas, seres vivos, piel… éstos son solo algunos de los materiales que los artistas han empleado para comunicarse y enriquecer la poesía visual.
Se trata de materiales que nos hablan sobre cómo pensamos el arte, cómo concebimos el espacio y nos servimos de la materia, cómo pensamos la literatura, cómo reflexionamos sobre nuestro entorno y cómo interactuamos con él.
La inclusión de nuevos materiales y soportes en la poesía es una revolución tan grande para la literatura como la que se dio cuando se empezaron a hacer poemas caligramáticos a comienzos del siglo XX.
Es una revolución porque se trata de la desmaterialización de la página, la cual durante siglos fue el único y exclusivo soporte del texto literario, y porque estas propuestas son cada vez más intermediales e interdisciplinarias. Es una revolución total porque, al abandonar el papel e incluir nuevos elementos, la poesía visual contemporánea está generando una nueva noción de lectura y está produciendo un nuevo tipo de lector.
La recepción de la obra y sus componentes es totalmente nueva. El binomio papel-libro y sus características color, dimensión, tamaño, textura no sólo fueron reemplazados por nuevas alternativas, sino que, en ocasiones, verdaderamente se diluyeron y perdieron cuerpo físico, material.
Las propuestas de la poesía visual contemporánea son transgresoras y radicales en sus postulados. Sin embargo, es innegable que ofrecen mucho material para reflexionar sobre el arte, sobre la poesía y sobre el mundo contemporáneo. Las propuestas de poesía visual contemporánea, al ser cambiantes y transitorias, son frágiles.
Algunas por haber cobrado un cuerpo físico y otras, precisamente por emplear nuevos soportes, como el vacío o la pantalla de una computadora.
Sin embargo, a pesar de su transitoriedad y fragilidad, son plenamente trascendentes. Cuando comenzó a surgir la holopoesía, por citar un ejemplo, muchos se preguntaron si sería algo más que una curiosidad producto de un momento, de una moda.
Ya han pasado varios años desde entonces y los holopoemas se siguen produciendo y perfeccionando, al igual que el resto de modalidades del poema visual contemporáneo que se mencionaron en el presente artículo.
No cabe duda que la palabra que no se inscribe en el papel también tiene permanencia, si bien a través de métodos distintos a los de la poesía convencional.
Algo que caracteriza al arte de nuestros días es la enorme profusión de manifestaciones artísticas que coexisten en el tiempo y en el espacio. Han surgido nuevos géneros y subgéneros y, con la llegada de la tecnología, el arte ha abierto una puerta a nuevos e indómitos territorios.
La poesía visual contemporánea ha asumido diversas formas y configuraciones. Todas ellas nos hablan sobre una nueva concepción de la palabra en el tiempo y en el espacio y, al sumar el uso de movimiento real, los poemas visuales contemporáneos que no se realizan en papel, más que ser objetos iconotextuales, se han convertido en detonadores de experiencias poéticas que exigen la participación activa del perceptor.
Estos temas aún no han sido estudiados a fondo por la crítica. Seguramente en años venideros se realizarán diversas investigaciones sobre las nuevas relaciones iconotextuales que se están generando en la actualidad, así como sobre el rumbo de la poesía visual a la luz de su carácter experimental.
Claramente no pienso decirles si el libro tiene un final triste o feliz, ni el propio Yunjae estaría de acuerdo con ello, pero lo que sí quiero compartir con ustedes es una invitación a acercarse a este libro con un corazón muuuuuy abierto, con un estado anímico tranquilo y sin obligarse a leerlo «de una sola sentada», pues lo que tenemos aquí es una narrativa muy emocional, dolorosa incluso, y a veces es necesario parar, tomarse un poquito de agua y recordarnos que eso que estamos sintiendo es precisamente el poder de la literatura, el hacernos sentir cosas así no siempre estemos cómodos con ellas , y es que ¿No funciona así la vida?
Y este libro es un fiel reflejo de ello. Me despido por hoy invitándolos a que volvamos a FilBo con emoción, con todos los cuidados del caso y siguiendo al pie de la letra las recomendaciones de autocuidado que nos indiquen en el recinto ferial, el esfuerzo y la apuesta de volver a la presencialidad son enormes y entre todos podemos ayudar a que ese gremio tan golpeado por la pandemia se los dice alguien que perdió su empleo producto de todo esto pueda respirar y mantenerse a flote, ¡vamos con toda!
Espero verlos en la Feria, ya quiero que me cuenten sus hallazgos y próximas lecturas, ¡todo va a estar bien! Por favor, recuerden mantenerse abrigados y no jugar con sus defensas, son tiempos algo difíciles así que lo mejor es cuidarnos todo lo posible.
Yo por mi parte estoy feliz y dichosa de poder acompañarlos en este lunes de cine en nuestro blog, hacía ratito que no les traía material de pelis pero la historia de la que vamos a hablar el día de hoy se tomó un espacio demasiado especial en mi corazón como para no hablar del tema por aquí, así que preparen sus mascarillas coreanas, sus galletas con chips de chocolate, sus pañuelos miles de ellos , y disfruten de esta cosita bonita llamada To all the Boys: Always and Forever:.
Y bueno, dirigida por Michael Fimognari, y con una nómina a la que le hemos tomado mucho cariño que incluye nombres como Lana Condor, Noah Centineo, Ana Cathart y Janel Parrish, la despedida de esta serie de películas basadas en la trilogía escrita por la maravillosa Jenny Han es una cinta que emociona y deja pensando en iguales proporciones.
En su último año de preparatoria, Lara Jean y Peter K parecieran tener todo listo, planeado y organizado para disfrutar juntos de un futuro universitario en el que no existan los toques de queda, las restricciones o la distancia. Stanford parece ser la respuesta perfecta a los intereses tanto de Peter y su carrera como deportista, como para los sueños de LJ de convertirse en una gran escritora.
En el momento en que LJ descubre que no fue admitida a Stanford, su plan comienza a tambalear, lo que desencadena toda una serie de inseguridades y miedos propios de una persona como ella que ama el orden y tener el control de las cosas, lo que hará que nuestra protagonista deba cuestionarse si realmente Peter y ella están dispuestos a luchar por que su relación funcione, y lo que es más importante aún, descubrir que, tal vez, su camino de vida diste un poco del plan estructurado y controlado que ella tenía en su mente.
Tenemos aquí un giro interesante respecto a la propuesta narrativa de las dos cintas anteriores, y es que en esta ocasión Lara Jean no deberá decidir entre dos hombres increíblemente amables, caballerosos y dulces sí, PK la embarró en su momento, eso no lo dudo, pero también creo que a lo largo de las cintas se ha reivindicado con honores , sino que en esta ocasión deberá decidir entre la vida segura y cercana a su familia que supone su «plan B» universitario, o por el contrario, volar aún más alto y permitirse encontrar un nuevo camino profesional, por muy distante que este pueda parecer en un primer momento.
En medio de las dudas sobre si herirá a Peter con estos cambios de planes o no, el viaje de fin de curso será decisivo para que LJ descubra todas las opciones con las que cuenta a su disposición, y termine por entender que, cuando se quiere trabajar por un sueño en común, las cosas se dan.
Estas y otras preguntas son las que los esperan en su cuenta de Netflix más cercana. En cuestiones actorales, Lana Condor se despide del rol que la catapultó a la fama con una actuación sensible, muy emotiva, y como espectadores podemos notar el modo en que LJ abre sus alas, aprende a confiar y a vivir el presente, y pasa de ser una jovencita soñadora y algo ingenua a una mujer lista para decidir sobre su vida y sacar el máximo provecho a cada momento ya sea bueno o malo, y creo que esto no habría sido posible sin el cariño y dedicación que Lana imprimió a su personaje.
Por su parte, Noah Centineo conserva el encanto y carisma que le dio a Peter K desde su primera aparición, y ver el modo en que su personaje madura, se permite reconciliarse con su pasado y se embarca en un futuro lleno de esperanza y dedicación es un legado muy bonito que vuelve a poner sobre la mesa un recordatorio CLAVE para el público Young Adult, y es que l as masculinidades tóxicas que no se permiten expresar sus emociones están mandadas a recoger, así de simple.
Lana y Noah siempre serán LJ y PK para mí, y de todo corazón deseo que sus carreras sigan prosperando y creciendo, eso sí, sin nunca olvidar que todo empezó con una carta de amor. En general, considero que la cinta es un cierre muy satisfactorio tanto para los fans de los libros como para los que llegaron a la fiesta gracias a las adaptaciones de Netflix , quienes hayan seguido con atención las distintas bandas sonoras se encontrarán con un par de sorpresas interesantes, y en definitiva todos se encontrarán con alguna frase, personaje o situación con el que se identifiquen, y creo que es maravilloso que el cine y la literatura nos permitan eso, pararnos frente a un espejo que, desde la ficción, nos deja pensando sobre nuestras propias vidas, temores y sueños.
Es algo muy poderoso, en verdad. Y bueno, sería mentira si dijera que no lloré, lo cierto es que mi maratón de las tres películas fue mi manera de celebrar San Valentín y disfruté cada segundo, de hecho, ver las tres cintas de corrido me ayudó a detectar pequeños detalles que pese a ser sutiles, terminaron siendo muy significativos, así que si no han visto la cinta todavía, les recomiendo el esfuercito de la maratón.
Me despido por hoy recordándoles que, al igual que LJ y PK, siempre llegarán momentos duros y tormentas, joder, hasta yo he pasado por un par de ellas recientemente, pero lo importante está en recordarnos que siempre habrá alguien allí para nosotros, ya sean nuestras parejas, amigos o familia, y no hay nada malo en cambiar de planes o cuestionarnos cosas que dábamos por sentadas, a fin de cuentas, somos seres humanos y el cambio y la capacidad de soñar cosas mejores y de trabajar por ellas han sido claves para nuestro progreso y evolución, así que bueno, a tomarnos las cosas un día a la vez y a soñar cosas bonitas, tal vez, con algo de buena suerte, hasta se nos cumplan.
Como siempre, los espero en nuestro Facebook e Instagram para que me cuenten cómo les fue con esta película, y si quieren más de Jenny Han, no se preocupen, Amazon dará vida a «The Summer I Turned Pretty» , así que tenemos feels para rato. Un 8 de enero de hace seis años estaba escribiendo y publicando el post que daría comienzo a este viaje emocionante llamado Si No Le Gusta No Lea.
Estaba aterrada, el «no eres lo suficientemente buena» parecía repetirse en mi mente una y otra y otra vez, y de hecho, es un demonio que sigo combatiendo en cada post, en cada mini reseña de Instagram, en cada foto que tomo, y por eso me pareció interesante sentarme a escribir sobre lo que han sido estos seis años.
No sé si escribo para mí o para ustedes que de un modo u otro también han hecho parte de este camino, supongo que solo dejando fluir las palabras lo sabremos, así que bueno, vamos a ello. Antes de decidir crear este espacio, mi vida era un remolino marcado por mi trabajo y los clubes de fans que ocupaban un porcentaje bien importante de mi tiempo libre.
Y bueno, significa mucho que se hayan tomado el tiempo de leer estos pequeños desvaríos y de llegar hasta aquí. Si es su primera vez en el blog, ¡bienvenidos! Me despido por hoy confiando en que esta celebración llegará también a Twitter , Facebook e Instagram , así que sean bienvenidos a participar contándome su reseña o momento favorito de la vida Cuchurrumí, ¡esto es de todos ustedes también!
Sean bienvenidos a un nuevo miércoles de libros en Si No Le Gusta No Lea, ¿cómo están? Luego de un año tan difícil el mejor regalo que podemos darnos es estar bien de salud y tener a nuestras familias a salvo, creo que todo lo demás que nos llegue es una ganancia épica.
Hablando de ganancias épicas, el día de hoy les traigo una entrevista que nunca pensé que fuera posible lograr, pero que gracias al apoyo y gestión de muchas personas por fin se hizo realidad y ahora la puedo compartir con todos ustedes, se trata de unas preguntitas a Stephenie Meyer, autora estadounidense a quien muchos conocimos por la saga Crepúsculo.
A continuación, les traigo la nota que originalmente publicamos en El Tiempo el día de ayer y que hoy llega para todos los lectores de nuestro blog, así que pónganse cómodos y disfruten:. En medio de noticias desalentadoras y una sociedad que continúa luchando por superar una de las más grandes pruebas que ha tenido que enfrentar como especie, el ha sido un año de sorpresas en materia de libros e historias, convirtiéndose así en un periodo marcado por el inesperado regreso a dos mundos que dominaron la literatura juvenil entre los años y Estas sagas, pese a manejar temáticas y contextos radicalmente distintos, en esencia lograron un mismo objetivo: enamorar a los jóvenes de la lectura y dejarlos con ganas de una historia más, una página más.
En primer lugar, en mayo de este año la corriente neodistópica, liderada por Los Ju egos del Hambre , de Suzanne Collins, regresó con Balada de pájaros cantores y serpientes , una precuela cautivante sobre uno de los personajes más oscuros y odiados del mundo de Panem, el malvado presidente Snow, revelando así algunas de las artimañas que lo consolidarían como la eterna cabeza del régimen distópico del Capitolio.
Algunos meses después, y para despedir una temporada de verano que para muchos lectores estuvo marcada por el aislamiento y la incesante rutina en sus hogares, las apuestas literarias y editoriales del otoño ahora se centran en la corriente del romance paranormal, recordada por muchos gracias a la saga Crepúsculo , de Stephenie Meyer.
Con la llegada a librerías de la esperada Sol de medianoche , la versión de Crepúsculo contada desde la perspectiva del vampiro adolescente Edward Cullen, la autora salda una deuda de honor y cariño con sus fans, que luego del escándalo por la publicación ilegal en internet de los primeros capítulos de la obra, en , esperaron pacientemente a la culminación del proyecto, que hoy por fin regresa a las listas de más vendidos en varios países del mundo y vuelve a poner en boca de muchos esta historia de amor inmortal, deseos ocultos y atracción.
En entrevista con Si No Le Gusta No Lea , Meyer habló sobre su experiencia de escribir para un público más adulto y los retos de lanzar un libro en épocas de distanciamiento social y pandemia, sin sesiones de firmas en las librerías.
Crepúsculo , primer libro de la saga, vio la luz en , y muchos adolescentes crecieron junto a estos libros.
Nunca tengo en consideración los intereses de mi audiencia cuando estoy escribiendo. Escribo la historia que tiene sentido para mí, y si me gusta, ese es el éxito que estoy buscando.
Con Sol de medianoche , aunque era mucho más consciente de la audiencia porque los fans me habían estado pidiendo este libro por mucho tiempo, mis manos estaban atadas. No podía hacerle ningún cambio a la historia original, así que esta historia simplemente fue lo que fue.
El cambio de narrador de la humana Bella al vampiro Edward ya había sido conocido por algunos lectores cuando se filtraron los primeros capítulos de Sol de medianoche en Como Sol de medianoche está tan ligado a la historia de Crepúsculo , no era posible que algo cambiara en la trama.
En cuanto al nuevo material, los flashbacks, las cosas que ocurren cuando Bella no está presente, Edward es quien es. Su personalidad no ha cambiado, así que tampoco lo ha hecho la historia.
Usted ha comentado que escribir Sol de medianoche fue una tarea complicada por la mentalidad oscura de Edward. Edward es una persona muy ansiosa y pesimista. Mientras escribía su historia, tenía que estar dentro de su mente y sus emociones, así que yo debía sentirme ansiosa y pesimista todo el tiempo mientras trabajaba en la historia.
No es una sensación agradable. Los fans de la saga han esperado durante bastante tiempo este libro. Sí que sentí la presión de saber que los lectores querían algo específico de mí, y eso fue duro, especialmente durante aquellos momentos en los que sentí que terminar Sol de medianoche era una labor imposible.
Pero saber que los fans querían la historia me mantuvo de regreso en la trama a lo largo de los años, pensando en ello de manera que mi subconsciente pudiera resolver los problemas que mi mente consciente no había podido resolver.
Una vez llegué a un punto en el que me di cuenta de que sí podría terminar el libro, se lo hice saber de inmediato a mi agente, de manera que el proceso de edición y publicación se simplificara.
Los lectores ya habían esperado tanto que no quería ningún retraso adicional. La música suele ser un elemento clave en su proceso creativo. En mi sitio web tengo una play-list de Sol de medianoche que es un buen ejemplo de cómo ha cambiado la música que escucho a lo largo de los años.
Algunas canciones han estado en la playlist por doce años, otras son totalmente nuevas. Han sido tantos años de música y escritura que ya me es difícil enumerar todas mis influencias. Muchas historias de fans, conocidas como fanfics, se han escrito sobre la familia Cullen o los malvados Vulturi a lo largo de los años.
No estoy interesada en escribir historias paralelas. Volver en el tiempo para escribir Sol de medianoche fue una experiencia frustrante, y preferiría estar escribiendo tramas hacia el futuro en lugar de contenidos que llenen vacíos sobre el pasado.
Algún día espero poder escribir lo que pasa después, usando a Renesmee como uno de mis narradores. Los fanáticos de sus libros son famosos por acampar y agotar las entradas a sus eventos y firmas. Este fue un lanzamiento muy extraño.
Fue difícil sentir una conexión con los fans cuando, en su mayoría, no podía verlos o escucharlos. Intentamos hacer algunas cosas creativas en autocinemas y concursos en Zoom, pero todo se sintió muy distante y la pandemia frustró constantemente nuestros planes. Al final, las fotos que me enviaron los fans y las interacciones en Zoom me ayudaron un poco a sentir como si estuviera allí afuera con los lectores, así fuera por un breve momento.
La vida humana del vampiro Edward se remite a las épocas de la gripe española. Con Bella siendo vampiro y a salvo, y Renesmee posiblemente siendo inmune, creo que Edward estaría muy tranquilo al respecto. Bella se preocuparía por Charlie y Renee, y estoy segura de que tanto ella como Carlisle regañarían a Charlie todo el tiempo para que conserve el distanciamiento social y use tapabocas.
Su novela de ciencia ficción, La huésped , en su momento también causó mucho revuelo y una ola de fanáticos. Me encantaría continuar el mundo de La huésped , pero hasta ahora realmente no he podido conectar con la secuela.
Ojalá eso cambie algún día, pero nunca he sido buena escribiendo algo cuando no me siento inspirada con el tema. Si pudiéramos hablar con Alice Cullen, ¿qué nos diría respecto al futuro de Stephenie Meyer? Y bueno, espero que se hayan divertido en este viaje a la mente de esta autora, ¡muchas de estas preguntas estaban rondando en mi mente desde hace bastante tiempo y por fin obtuve respuestas!
También quisiera agradecerles por su apoyo el día de ayer con la publicación de la nota en el periódico, saber que se toman el tiempo de leer mis palabras y acompañar mis procesos de escritura es algo maravilloso y me hace sentir muy especial y bendecida por tenerlos en mi vida, ¡muchísimas, muchísimas gracias!
Como siempre, son más que bienvenidos a comentar en nuestro Facebook, Twitter o Instagram cómo les pareció esta entrevista y los invito a contarme qué autor o autora les gustaría que pudiéramos entrevistar en el futuro, ¿quién sabe? Los milagros navideños apenas comienzan…. Desde ya les deseo una maravillosa navidad, llena de salud, amor, muchas lecturas increíbles y esperanza, mucha esperanza.
Mientras haya esperanza, estaremos bien. Yo lo sé. En la crítica seré valiente, severo y absolutamente justo con amigos y enemigos.
Nada cambiará este propósito. Quise empezar esta carta-reflexión con esta cita del querido Edgar Allan Poe para apelar a esa valentía y severidad que menciona el autor estadounidense para intentar «responder» de forma medianamente pertinente a la fallida entrevista del barcelonés Álvaro Colomer publicada recientemente por el portal La Razón, de Cataluña.
Pueden leer dicha entrevista aquí. En dicha entrevista, en un tono que podría calificarse de nada menos que soberbio , el autor se gloría en la publicación de su nueva novela juvenil, titulada Ahora llega el silencio , mediante la cual, en palabras del redactor de la nota, «El escritor Álvaro Colomer se acerca al público juvenil».
Ahora, si por «acercarse» al público juvenil buscaba cuestionar su inteligencia, su sentido crítico y reducirlos a su mínima expresión, pues me temo que logró su objetivo con creces. Para que se entienda la ira y malestar que generó en mí esta entrevista, los invito a que veamos algunas de las falacias presentes en su discurso, que si bien es válido de ser expresado y divulgado, también es digno de ser cuestionado y debatido con contraargumentos.
Esta afirmación es problemática por dos razones. Esto nos lleva al segundo problema, y es la forma simplista en que el autor afirma que la literatura juvenil es una literatura fácil, de allí que esa «libertad para escribir» a la que se refiera no sea la libertad ligada al poder creativo, que busca romper paradigmas, construir nuevos estilos y llevar el lenguaje al límite, sino a esa libertad perezosa que lleva a caer en la mediocridad y el menor esfuerzo.
Aquí el señor Colomer arroja cuchillos ponzoñosos no solo a la literatura juvenil, sino también a la infantil. Me pregunto cuándo fue la última vez que se dio a la tarea de visitar una librería para explorar su colección infantil sin prejuicios o ideas equívocas al respecto, pues si hay un campo que ha entendido que «lo tierno» es tan solo uno de los caminos para entender las complejidades de la infancia, mas no el único , es precisamente el campo de la literatura infantil, y la crítica se ha encargado de mostrarnos que no porque los niños sean niños debemos evitar temas como la muerte, la soledad, la diversidad sexual, la imperfección de los roles paternos o la filosofía misma, que lo digan espacios como la Revista Babar y los blogs Linternas y Bosques y Anatarambana.
Ahora, en lo referente a «distraer al lector para que se lo pase bien», pensemos en lo sobreestimulado e hipercomunicado de este planeta de locos: ¿Qué puede llevar a un joven a elegir un libro por encima de una consola, su teléfono celular o demás divertimentos que nos rodean?
Planteo aquí una idea temeraria: tal vez, ese joven lo haga por gusto y pasión por la lectura, señor. Tan simple como eso. Del mismo modo en que el joven Arthur Rimbaud ¡retirado de la literatura a los diecinueve años, señor!
leía a escondidas de su madre, ¿cuántos de nosotros no crecimos leyendo con una linterna hasta la madrugada? La identidad, el paso a la adultez, el buscar un lugar en el mundo, el tener una enfermedad mental, el entender lo que se siente y lo que se es son cuestiones tremendamente humanas que la literatura juvenil ha sabido abordar de forma estética y sólida, con personajes y narrativas bien estructurados, con propiedad y dominio del lenguaje, y esa dimensión ha llegado a la crítica también, lo que me lleva a la siguiente falacia de la entrevista.
Pensar que los adolescentes son seres que solo se mueven entre el blanco y el negro no solo denota total desconocimiento de las dinámicas recientes como lo son las ferias del libro, las convenciones de cultura popular y las redes sociales, sino que también anula todo lo que la psicología misma ha dicho sobre la adolescencia.
En una etapa de cuestionamientos, de afianzamiento de la identidad, de los valores y convicciones, ¿cómo osa afirmar el señor Colomer que el único criterio que un joven puede usar para hablar de un libro es si le gusta o no?
Primer problema: reducir la crítica al formato escrito. La teoría de la recepción de la que nos hablaban Jauss y Eco nos ha llevado a que, precisamente, dentro de su dinamismo y pluraridad, los críticos de LIJ entendamos a la audiencia lectora de lo que criticamos o reseñamos, y celebremos que la literatura juvenil se comente, se viva y se comparta no solo en los espacios impresos como revistas o blogs, sino también en Youtube y en Instagram, que lo digan Javier Ruescas , Sebas Mouret , Abril Karera , Isa Cantos , Christine Riccio , India Hill Brown , Warda , Micol , Aleema , entre otros.
Y llega aquí el ataque directo, la razón por la que hoy escribo estas letras entre la frustración y la rabia. Las denominaciones caracterizaron la historia de aquellos grupos.
El 8 de enero de en París, la primera manifestación letrista puso en marcha «una nueva revolución poética». Gabriel Pomerand explicaba que la poesía, tras una fase de expansión, se encontraba en una fase de concentración que desembocaba en la destrucción concreta y práctica de la palabra.
Con la palabra abatida, afirmaba Isidoro Isou, la letra cobraba un valor nuevo. Para Isidore Isou, la materia de las letras debía considerarse valiosa en si misma. Esto lo llevó a recurrir a procedimientos como el uso de diferentes tipografías, diferentes alianzas de las letras y deconstrucciones del verso a partir de distintas cadencias y alianzas rítmicas.
Isou intentaba buscar efectos análogos al los del cubismo plástico pero en el terreno de la literatura. El movimiento letrista jugó también con la indescifrabilidad de los grafismos como una forma de subvertir las bases mismas del sistema simbólico occidental. Las mismas contemplaban el uso de letras no solo latinas sino de alfabetos y signos de todo posible sistema escritural, incluso de sistemas directamente inventados.
Isou expuso sus ideas en el manifiesto de la poesía letrista en Ejemplos de la misma son Les journaux des dieux, del propio Isou o Canailles, de Maurice Lemaitre, aparecidas ambas en Mientras que en el período de postguerra el letrismo se presentaba como altamente autorreferencial, con el tiempo se involucró cada vez más a nivel social y político.
En Francia, por ejemplo, se asoció con el existencialismo y, en la década de , lo hizo estrechamente con el anarquismo y, en particular, con el situasionismo. De hecho, muchos de los afiches y panfletos del mayo francés estaban concebidos a partir de la estética letrista.
Primer cartel de una manifestación letrista en París, el 8 de enero de Gabriel Pomerand e Isidore Isou, sus principales cabecillas, llaman a una nueva realidad. Isodore Isou. En primer lugar el descubrimiento de elementos estructurales similares en todos los lenguajes: las mismas leyes, procesos, estructuras, funcionalidad de signos, soportes, "ruidos", etc.
Pequeños matices formales marcan las diferencias entre los diferentes lenguajes. Luego el establecimiento y necesidad de la actividad experimental a nivel de los lenguajes para examinar sus posibilidades expresivas y su grado de competencia a la hora de conceptuar lo desconocido a nivel poético. En nuestro pais van a ser Jorge Luis Borges, sobre todo por su labor de difusión, y Oliverio Girando los interesados en estas nuevas corrientes- Oliverio Girando, poeta que no sólo se valió de las posibilidades expresivas que ofrece la oralidad lingüística a la manera de las "jijantáforas", estudiadas por el maestro Alfonso Reyes sino, también, explotó el espacio como ámbito privilegiado de expresión poética, ya sea adicionando imágenes como en el poema "Croquis en la Arena", ya sea interpretando lo verbal y lo visual en el poema, a la manera de los poemas ideográficos en los cuales la forma del poema va asumiendo la configuración del objeto expresado verbalmente como en el poema "Espantapájaros".
En palabras de su director, el crítico y poeta Jorge Santiago Perednik: "Xul emprende el proyecto de hacer de la plástica un lenguaje articulado, un conjunto de signos pasibles de ser escritos y leídos. Un cuadro sería, así, un discurso impreso plásticamente; podría, por ejemplo, ser traducido a cualquier idioma o lenguaje verbal; cada uno de sus elementos constitutivos podría figurar en un diccionario ideal, en tanto sería pasible de significación, incluso con mayor precisión que el signo en el lenguaje verbal.
Los textos pictóricos de Xul Solar -dibujos, acuarelas, óleos- son las realizaciones de este proyecto. También hay que recordar aquí su tarea experimental de inventor de lenguas, y luego de escritor de poemas en esas lenguas inventadas, entre ellas, el Neocriol, con una fuerte base de castellano y aportes del latín y otras lenguas romances, aunque léxica y sobre todo sintácticamente bastante distinto".
Sólo en algunos pocos poemas de Gyula Kosice, el más decidido impulsor del Madí, se aprecian elementos formales de ruptura, sobre todo en el manejo del isoformismo forma-contenido, barrera irrenunciable del concretismo literario que surgiría como veremos más adelante, a mediados de los 50s.
También se señala la huída espantada de cualquier posibilidad de "figuración", lo cual le diferencia de los poemas caligramáticos de los 20s.. El poema Madí no es susceptible de ser comparado con ninguna otra forma natural o preestablecida. Gyula Kosice. La necesidad comunicacional.
De la escritura, al libro y del desarrollo de la imprenta y al diseño. Ese dictamen, ya veremos, no es del todo falaz. Según Levis-Straus, El único fenómeno histórico coincidente con la aparición de la escritura es la fundación de ciudades e imperios, en otras palabras: la integración de un gran número de individuos en un sistema político y su división en castas y clases.
El diccionario de la Real Academia Española, el más conservador libro de las palabras ya le otorga un sentido más amplio incorporando la representación de las ideas mediante el uso de letras u otros signos. En un sentido estricto, escribir es representar las palabras o las ideas con letras u otros signos trazados en papel u otra superficie.
La escritura, no sólo en castellano sino en general, se refiere a todo tipo de signos gráficos. Desde la convención matemática hasta la notación musical, pasando por los ideogramas y los jeroglíficos, los diagramas o los emblemas.
La escritura no sólo es alfabética, no sólo representa el habla, sino que va más allá de la fonética y de la palabra para convertirse en una forma de representación del pensamiento y de las ideas como bien dice el diccionario de la RAE.
La escritura es una tecnología para preservar la memoria colectiva. Es una tecnología sofisticada que precisa de aprendizaje de códigos de escritura- lectura, de herramientas y de superficies que sirvan como soporte. El primer pictograma del que tenemos constancia data del año 3. y es una tablilla en pieza caliza de la ciudad de Kish.
Más adelante los sumerios desarrollaron ideogramas símbolos que representan ideas asociadas menos concretas en un número cercano a los 2. Comenzaron no sólo a asociar representación e idea, sino a equiparar el mismo símbolo a sonidos iguales. Tras estos pequeños balbuceos, nace la esencia de un alfabeto: la escritura cuneiforme del año 2.
Al buscar Claude Lévi-Strauss los orígenes de la escritura sostiene que "Podría suponerse que su invención evocó cambios profundos en la vida de la humanidad Pues la escritura multiplica por millas las posibilidades de adquirir y conservar conocimientos pero es posible decir que en el neolítico, la humanidad hizo enormes progresos aun desconociendo la escritura.
Y, a pesar de su conocimiento, las culturas históricas de Occidente estuvieron estancadas durante largo tiempo" - "desde la invención de la escritura hasta el nacimiento de la ciencia moderna en el mundo occidental transcurrieron unos cinco mil años, durante los cuales los conocimientos, más que acumularse, cambiaron.
Desde la antigüedad fue muy importante la difusión de las ideas así es como los romanos idearon la fabricación de sellos de arcilla con inscripciones alrededor del año a.
para difundir sus pensamientos con mayor eficacia. También se estipula que los chinos tuvieron un modelo de imprenta con caracteres móviles, los que fueron fabricados en porcelana por el año aproximadamente este sistema debió de ser muy complejo debido a la complejidad de su sistema comunicacional y por sobre todas las cosas su forma de escritura.
Sin embargo en nuestra cultura el referente más directo en los adelantos sobre sistemas de impresión es Johannes Gutenberg ya que se considera que fue el padre de la imprenta moderna, por su aporte en el sistema de impresión, con el diseño de caracteres móviles lo que permitió que los textos publicados fueran confeccionados con mayor soltura creando así la idea de nuestra imprenta moderna.
Comúnmente denominada también conocida como la Biblia de 42 líneas o Biblia de Mazarino Biblia de 42 líneas. Gracias a Friedrich König, que inventó la prensa accionada por vapor que revolucionó toda la industria de la impresión.
Una de las consecuencias fue la prensa de cilindro, que utilizaba un rodillo giratorio para prensar el papel contra una superficie plana. Con la rotativa, unos años más tarde, se iba a permitir la impresión simultánea por ambas caras del papel.
En , después de que el francés Simon Ballanche concibiera la idea de construir una máquina automática para componer textos, el estadounidense William Church logra construir la primera máquina de este tipo, la componedora.
La idea era mecanizar y facilitar al máximo la complicada tarea de componer manualmente los tipos de plomo de la tipografía, uno a uno, formando textos completos, como se hacía desde Gutenberg.
De todos modos, el hecho de que la máquina cometiera ciertos errores hizo que no se impusiera de modo universal. Habría que esperar la invención de la linotipia en En , el inglés Smart inventa una rotativa para la impresión litográfica, en la que todo el proceso se automatiza excepto para la entrada alimentación y salida retirada del papel.
Surge así la primera imprenta de offset automática. La confección de libros y ediciones ilustradas también incluyeron la técnica del grabados en especial con aplicación de la xilografía en un primer momento, la que nos ha hecho reflexionar en lo largo de la historia sobre las palabras, los mensajes, las producciones visuales y la idea de la multiejemplaridad cosa que nos acerca permanentemente a la poesía visual y su desarrollo en el campo del arte y de la historia ya que durante el apogeo del movimiento expresionista se utilizo esta técnica para la confección de carteles y volantes que difundían las ideas políticas de los artistas y los grupos que ellos representaban.
Desde los comienzos la idea comunicacional estaba impulsada principalmente por las entidades religiosas y políticas quienes distribuían bloques de letras sin ningún tipo de reestructuración reflexiva académica a cerca del lenguaje, posteriormente el desarrollo de las artes graficas fue incluyendo aportes estéticos en las producciones que se distribuían facilitando así la propagación de ideas.
El modelo antiguo más frecuentes fue —la caja texto- que se dividía en dos columnas de modo que el campo visual fuera de fácil captación para los lectores. Siempre con una marcada intención de transmitir mensaje visual.
En estos tiempos cada ejemplar era un original muchas veces iluminado de forma manual en los monasterios. Fue en Holanda y Alemania que se fabricaron libros xilográficos en donde la característica principal fue la matriz en base a un bloque de madera, lo que le da el nombre a la técnica; con el paso del tiempo se fueron realizando mixturas técnicas que enriquecieron los impresos.
El arte tipográfico evolucionó y llego a crear obras maestras en la formación y estructuras de libros y ediciones especiales impresas. Con la imprenta electrónica ha habido una revolución visual cambio que afecto principalmente en el diseño de los libros aunque siga siendo de un elevado costo, pero hay gran variedad de métodos de impresión que resultan ser mas económicos como lo son la fotocopia, la duplicación electrostática y la imprenta digital, la que no solo ahorra tiempo sino costo lo que permite democratizar la información ya que el numero de ejemplares permite que las tiradas cortas también sean rentables posibilitando enviar los pedidos por correo electrónico.
Esta es la actividad que posibilita comunicar gráficamente ideas, hechos y valores procesados y sintetizados en términos de forma y comunicación, factores sociales, culturales, económicos, estéticos y tecnológicos.
También se conoce con el nombre de diseño en comunicación visual, debido a que algunos asocian la palabra gráfico únicamente a la industria gráfica, y entienden que los mensajes visuales se canalizan a través de muchos medios de comunicación, y no sólo los impresos.
El carácter lúdico de las producciones visuales es el que nos interesa por momento. Algunos principios fundamentales subyacen en toda buena tipografía, ya sea de periódicos, revistas o libros, o bien de caracteres, envases o pantallas de ordenador.
Estos mismos principios, establecidos primero en los tipos móviles de Gutemberg y desarrollado más tarde con las revoluciones visuales modernas, serán todavía válidos en la nueva era de los medios electrónicos, hipertextos e internet, sean cuales sean los foros que el futuro pueda traer consigo.
Los elementos básicos de la tipografía son las letras de caja alta, las letras de caja baja, los números y los signos de puntuación. Las letras evolucionaron a partir de los pictogramas e ideogramas prehistóricos para convertirse en los sofisticados signos del alfabeto latino, el sistema de escritura más ampliamente utilizado en el mundo en la actualidad.
Aunque durante siglos se han producido variaciones en algunos detalles, la estructura esencial de las letras y los números no ha sufrido ninguna transformación sustancial. Tanto grabada en piedra como escrita sobre papel, impresa en libros o pixeladas en un ordenador, las letras siempre han utilizado las mismas estructuras básicas que utilizaban los romanos.
Regresando un poco en el tiempo vemos que la tipografía de la Edad Media giro en torno al trabajo manual de los monjes cristianos realizado en los monasterios a los cuales se les dio el nombre de copistas. En el renacimiento se utilizo un tipo de letra llamada texture, fraktur la misma tiene una impronta de carácter gótico también denominado estilo ingles antiguo que es la que utilizó Gutemberg en la Biblia de 42 líneas.
Otro aporte visual importante fue la revista cuatrimestral en la que se informaba sobre las actividades, nuevos productos y contratos. Pero los integrantes del equipo decidieron en escribir solo en letras minúsculas e imprimir según las normas D. Instituto Alemán de Normalización.
Además: ¿por que dos alfabetos, cuando uno es suficiente? Entendiendo la tipografía para texto como representación visual de la oralidad, muchas veces se desatiende el escenario de su función primordial: la dimensión del lenguaje.
Una observación lingüística de la tipografía nos enfrenta a una rica serie de interrogantes: la problemática entre lo oral y lo escrito, la cuestión de los procesos de lectura, nuestro uso del lenguaje en función de mecanismos ligados a la ley del menor esfuerzo, la distinción visual de los diferentes idiomas a partir de sus diversas ortografías, la tipografía como heredera histórica de la evolución de la letra manual.
Todas estas problemáticas encuentran un nervio común en la noción de ritmo, un factor que, de aparente origen biológico, se evidencia esencial en nuestra interacción perceptiva y constructiva con la realidad.
La reconsideración del diseño de tipografías desde la perspectiva de esta doble dimensión, la del lenguaje y la visual, inaugura nuevas miradas sobre la inextricable visualidad de la palabra. La tipografía y la estética están muy relacionadas.
Transmitir su propia imagen a través de la comunicación visual es un gran reto tanto para diseñadores como artistas sobre todo teniendo en cuenta la sentencia de McLuhan "El hombre racional de nuestra cultura occidental es un hombre visual.
Los carteles llenos de colores, impresos en un actualizado sistema litográfico, atrapaban la atención de los transeúntes. Las ilustraciones, ayudadas por el texto, revelaban un contexto preciso, introduciendo una nueva estética de imágenes simplificadas ordenadas por los medios de reproducción gráfica.
El afiche fue entonces y lo es aún hoy una técnica de difusión de la información que permite llegar a gran cantidad de público, sin necesidad de invertir grandes recursos. Sus posibilidades comunicativas dependen en gran medida de su calidad técnica y estética y de su adecuada ubicación.
Con el descubrimiento de técnicas de reproducción de la imagen como la xilografía y posteriormente la imprenta el cartel va a ir adquiriendo una enorme relevancia en el desarrollo del diseño y las artes graficas.
Entendía que los carteles eran un medio de comunicación con otras personas, que se dirigía a cierta audiencia.
Descubrió la importancia de trasladar su trabajo a la imprenta, y aprovechó la litografía a gran escala. La tradición clásica de la tipografía centrada, usando varias formas de letras, tuvo sus orígenes en los letreros y en la caligrafía, pero hubo innovadores que estaban preparados para desafiar los valores existentes, en busca de una forma de comunicación más efectiva y original.
Sin embargo, Amsterdam, Bruselas, Berlín, Munich, Budapest, Viena, Praga, Barcelona, Madrid, Milán y Nueva York también nutrieron escuelas de artistas del cartel y brillantes diseñadores individuales. Milán produjo el número más destacado de creadores de carteles, cuya originalidad desafió a los de París.
Varios artistas estadounidenses integraron con éxito ilustraciones en el letrero en sus diseños. Will Bradley hizo un brillante trabajo al revivir el Art Nouveau, el manierismo de la Edad Media y el Renacimiento.
Bradley absorbió la influencia no solamente de Francia, sino también de Japón e Inglaterra. En Inglaterra, William Morris y otros buscaron enfatizar el papel del artesano, hacia los modelos del Renacimiento y a un diseño más vigoroso.
Los artistas de los carteles de este período demostraron que la osadía de la libertad estética primero exige un enfrentamiento con la innovación técnica en la producción y la reproducción gráfica.
Desde esta época los artistas dejarán de agregar simplemente textos tipográficos y empezarán a dibujar tipos y a responsabilizarse de todos los elementos que deberían ser reproducidos, siendo entonces reconocidos como diseñadores gráficos.
Durante el siglo XIX el diseño de mensajes visuales fue confiado alternativamente a dos profesionales: el dibujante o el impresor. El primero estaba formado como artista y el segundo como artesano, ambos frecuentemente en las mismas escuelas de artes y oficios.
Para el impresor tenía como arte el uso de ornamentos y la selección de fuentes tipográficas en sus composiciones impresas. El dibujante veía a la tipografía como un elemento secundario y prestaba más atención a elementos ornamentales e ilustrativos.
El movimiento Arts and Crafts y William Morris van a interesarse por la producción de libros, que se imprimirán en una variedad de formatos, con decoraciones xilográficas y un conjunto de letras, creadas a partir de especificaciones propias y sacadas de fotos de impresos del siglo XV.
Estos y otros libros de editoriales privadas figuran entre los trabajos gráficos británicos más admirados en el continente europeo. Estas nuevas ideas se discutieron y diseminaron por Austria, Alemania, Bélgica e Italia. Algunas revistas publicadas en Londres difundieron los trabajos del diseñadores de Glasgow Charles Rennie Mackintosh, George Walton y Margaret y Frances Macdonald.
Las influencias fueron absorbidas por diversos artistas, arquitectos y diseñadores de estos países. El diseño de principios del siglo XX, al igual que las bellas artes del mismo periodo, fue una reacción contra la decadencia de la tipografía y el diseño de finales del siglo XIX.
El Art Nouveau, con su clara voluntad estilística fue un movimiento que aportó a un mayor orden visual en la composición. Si bien mantuvo un alto nivel de complejidad formal, lo hizo dentro de una fuerte coherencia visual, descartando la variación de estilos tipográficos en una misma pieza gráfica.
Desde el inicio del siglo XX los desarrollos experimentados en el diseño de los carteles se extendieron a las tarjetas postales, etiquetas adhesivas, estampillas y embalajes.
Esto fomentó la economía en el diseño y redujo el número de colores utilizados. En Alemania, los diseños desarrollaron una estética refinada y enérgica para anunciar los productos al consumidor. En Berlín, un grupo de diseñadores asociado con una firma de impresión Hollerbaum und Schmidt rompió una nueva barrera: sus carteles restringieron la imagen al objeto que se estaba anunciando, y las palabras a la marca del fabricante.
Este estilo se conoce como cartel - objeto Sachplakat. Si el empujón principal al desarrollo del diseño gráfico después de la primera guerra mundial se centró en los movimientos de vanguardia y sus aspiraciones, una menos agitada, pero no menos brillante evolución, tuvo lugar en el cartel comercial.
La primera guerra mundial estableció la importancia del diseño gráfico. El gráfico, la ilustración y el letrero ayudaban a informar e instruir de un modo económico y directo. La identificación militar era un código que se entendía instantáneamente. Las insignias de los regimientos tenían mucho en común con el diseño económico y con las imágenes poderosas y lemas de los nuevos carteles.
Los gobiernos los utilizaron en los anuncios públicos, así como en la propaganda y para exhortar a los ciudadanos a compartir el esfuerzo de la guerra. Los movimientos artísticos de la segunda década del siglo XX y la agitación política que los acompañaba, generaron dramáticos cambios en el diseño gráfico.
El Dada, De Stijl, Suprematismo, Cubismo, Constructivismo, Futurismo, y la Bauhaus crearon una nueva visión que influyó en todas las ramas de las artes visuales y el diseño. Todos estos movimientos se oponían a las artes decorativas y populares, así como también el Art Nouveau, que bajo la influencia del nuevo interés por la geometría evolucionó hacia el Art Decó.
En este período también proliferaron las publicaciones y manifiestos, mediante los cuales los artistas y educadores mostraron sus opiniones.
Durante la década de se desarrollaron aspectos interesantes para la composición del diseño gráfico. El cambio de estilo gráfico fue trascendental porque muestra una reacción contra el organicismo y eclecticismo ornamentalista de la época y propone un estilo más despojado y geométrico.
Este estilo, conectado con el constructivismo, el suprematismo, el neoplasticismo, y la Bauhaus, ejerció una influencia duradera e ineludible en el desarrollo del diseño gráfico del siglo XX. Otro elemento importante en relación a la práctica profesional, fue el creciente uso de la forma visual como elemento comunicacional.
La Bauhuas Abril de es la fecha en que abrió sus puertas una de las escuelas más importantes del mundo.
Asimismo, es también la fecha en que se institucionalizó una nueva forma de pensar, de ver el mundo y de atisbar el futuro de la floreciente industria.
Catorce escasos años de existencia pudieron haber significado su pronto olvido, sin embargo, como toda buena obra del diseño, su legado ha trascendido generación tras generación. Han pasado mas de 80 años desde que en la Bauhaus se impartió el primer curso, lo que también significó que se establecieron nuevas líneas de pensamiento artístico, técnico y filosófico.
Fue ésta una suma por demás creativa que ofreció, ante todo, un nuevo profesional adecuado a las nuevas tecnologías, que avizoraba un mundo industrializado con nuevos retos y, sobre todo, con un estilo de vida innovador.
Las consecuencias de la devastadora y creciente industrialización de finales del siglo XIX, surgida primero en Inglaterra y más tarde en Alemania, influyeron en la clase obrera y en la producción de los artesanos. El progreso tecnológico también trajo consigo un cambio en las estructuras sociales.
En el siglo XIX, Inglaterra se alzó como la potencia industrial más prominente de Europa. Hasta bien entrados los años noventa del XIX, los ingleses se mantuvieron a la cabeza en lo que se refiere a adelantos técnicos y culturales, resultando los indiscutibles vencedores.
Esto ya se anunciaba desde los años cincuenta, cuando reformaron los procesos educativos tanto para los artesanos como para las Academias.
En éstas se enseñaba a los alumnos a diseñar por sí mismos en lugar de copiar modelos anteriores. Sin embargo, con este sistema no se lograba el propósito de las reformas, es decir, no se alcanzaba la creación de una cultura que llegara al grueso de la gente. Por ello, la afiliación al socialismo planteó una mejor solución.
Lograr una cultura del pueblo y para el pueblo se convirtió en aquellos tiempos en el desafío de casi todos los movimientos culturales innovadores como la Bauhaus. En Alemania se intentó alcanzar el mismo éxito logrado por los ingleses, por lo que al inicio de la década de los noventa se dio impulso a la importación de ideas y reformas desde Inglaterra.
Más tarde, en , el gobierno prusiano envió a Hermann Muthesius a Inglaterra por un periodo de seis años, en calidad de "espía del gusto". Su estancia tenía como finalidad estudiar las causas del éxito inglés. Gracias a esto se establecieron en el país germano Escuelas de Artes y Oficios en las que diversos artistas modernos fungieron como profesores.
En esas escuelas y talleres se producían principalmente enseres de casa, muebles, textiles y utensilios de metal. Estilísticamente, los productos alemanes de final de siglo no tenían parecido alguno con los producidos por los ingleses de las Arts and Crafts, movimiento profundamente arraigado durante el siglo XIX.
En esa década de , Alemania adelantó a Inglaterra como nación industrialzada, asegurándose ese puesto hasta , cuando estalló la Primera Guerra Mundial. En , el gobierno alemán puso a cargo de Walter Gropius la dirección y administración de las dos escuelas más importantes de arte en Weimar, la Sächsichen Kunstgewerbeschule y la Sächsischen Hochschule für bildene Kunst.
En un manifiesto de la Bauhaus distribuido por toda Alemania, Gropius aclaraba el programa y la meta de la nueva escuela: artistas y artesanos debían trabajar juntos en la construcción del futuro. Gropius declaraba los principios que, en su opinión, deberían regir la escuela desde su inicio.
Se refirió a ellos en los siguientes términos retóricos, que evocan un ideal casi cercano a la Edad Media por unificar las artes alrededor del eje de la arquitectura: "Arquitectos, escultores, pintores, todos nosotros debemos regresar al trabajo manual [ Anhelemos, concibamos y juntos construyamos el nuevo edificio del futuro, que dará cabida a todo a la arquitectura, a la escultura y a la pintura en una sola entidad y que se alzará al cielo desde las manos de un millón de artesanos, símbolo cristalino de una nueva fe que ya llega.
Reconcilió los oficios y especialidades, hasta entonces independientes, uniéndolos como trabajo en común en el que la construcción allana diferencias de condición y acerca a los artistas al pueblo. Todas estas ideas y conceptos se aplicaron en talleres de la misma escuela, donde se daban cita actitudes estéticas en las que alumnos y profesores trabajaban en conjunto.
Ahí se experimentaba con tejidos, trabajo de metales, diseño inmobiliario, fotografía, diseño escenográfico, pintura, escultura y arquitectura. Esto llevó a diseños incipientes, funcionales y eficientes. Figuras del mundo entero se unieron a esta institución pedagógica que orientó el pensamiento de toda una generación de arquitectos, diseñadores y artistas hacia la creación de obras con utilidad social, producidas en serie.
Entre éstos destacaron arquitectos como Walter Gropius, Mies van der Rohe y Marcel Breuer; los artistas Laszlo Moholy-Nagy, Gyorgy Kepes y Josef Albers; pintores de la talla de Paul Klee y Wassily Kandinsky.. Un año más tarde tuvo lugar la apertura del edificio oficial, una obra maestra de la arquitectura diseñada por el mismo Walter Gropius.
Este cambio de sitio se debió a que la ciudad de Dessau ofrecía mayor apoyo económico que Weimar y, al ser una ciudad industrial, tenía una relación más directa con la ideología de la escuela.
Años más tarde, en , la Bauhaus se vio obligada a cerrar sus puertas por motivos políticos pero Mies van der Rohe, el entonces director, decidió continuar el proyecto en Berlín.
En esos años el Partido Nacional Socialista ya gobernaba en Alemania y, al no aprobar el intercambio cultural con artistas de otros países, estableció que el arte debía ser puramente alemán. Por ello, en la escuela fue definitivamente clausurada.
La Hochschule für Gestaltung HfG de Ulm fue otra institución clave en el desarrollo de la profesión del diseñador gráfico. Desde su fundación, la HfG se distanció de una posible afiliación con la publicidad.
En la HfG de Ulm, se decidió trabajar primordialmente en el área de la comunicación no persuasiva, en campos como el de los sistemas de signos de tráfico, planos para aparatos técnicos, o la traducción visual de un contenido científico.
Hasta ese momento no se habían enseñado sistemáticamente esas áreas en ninguna otra escuela europea. Hoy día la representación formal del lenguaje, que ya no sólo es la representación de la lengua hablada, sino que va más allá, aborda todo el manejo estructurado de signos y códigos.
La legibilidad de su representación, que ya no se puede entender sólo como velocidad de lectura y facilidad de percepción, sino que debe extenderse a problemas que abarcan los nuevos medios y las nuevas formas de leer, como la expresión, los códigos, la interactividad, el lenguaje audiovisual, el contexto, la simulación y todos aquellos aspectos que inciden en una mayor comprensión no sólo del contenido de la información, sino también de su sentido y su uso.
EL profundo desarrollo de estas disciplinas y los cruces e intersecciones que generan entre si generan un campo extremadamente fértil para el desarrollo de la poesía visual tanto por partes de artista como diseñadores.
También seria importante tener en cuenta más detalladamente, uno de las filiaciones también muy cercana a la poesía visual, el libro ilustrado y sobre todo el libro de artista. La edición supero los ejemplares el tiraje se realizo en dos calidades diferentes de papel, menor porcentaje, fue realizado en papel de China el resto era papel Holandés.
Este libro manuscrito contiene 20 páginas a color. En esta curaduría en el MOMA Riva Castleman plantea una serie de relaciones como ser la de Artistas con los autores, Artistas como autores Artistas para los autores, Artistas sin los autores.
En el segundo enunciado, los artistas son artífices de textos e imágenes y los ejemplos más relevantes son algunas de las obras de Klee, Duchamp y Moholy-Nagy entre otros. Un artista para los autores, es un plástico que elige ilustrar un texto que posiblemente se encuentre elaborado con anterioridad, así también podrán tomarse textos como base para nuevos trabajos.
La ultima categoría es la que Castleman propone como, los orígenes del libro de artista moderno y que engloba los conceptos vistos en el texto introductorio, autonomía total del artista para la realización de una obra.
En el libro de artista la imagen y el texto se conjugan, predominando en general aquella sobre éste. A veces se trata de ejemplares únicos, pero otras se producen en pequeñas ediciones. Otras, el carácter lo aporta el hecho de tratarse de intervenciones sobre libros ya editados, lo que se conocen como libros alterados.
En resumen podríamos decir que el libro de artista es una forma de expresión, simbiosis de múltiples posibles combinaciones de distintos lenguajes y sistemas de comunicación. En un recorrido por la Historia del Arte, de la Prehistoria a nuestros días, encontramos infinidad de obras, de todas las épocas y culturas que, aunque creadas con muy diferentes fines son precursoras del concepto actual de los libros de artista: huesos tallados, tablillas babilónicas, papiros egipcios, libros de oración tibetanos, libros de la cultura cristiana como el Codex de Kells o el Beato de Liébana, etc.
Una sucesión de obras hasta llegar al concepto actual del libro como obra de Arte. Este concepto comienza a concretarse con Mallarmé Una tirada de dados nunca podrá suprimir el azar, , Apollinaire Caligramas de ; El Lissitzky Dyla Golosa, Las cuatro funciones aritmétricas, ; Francis Picabia , ; Dieter Rot Kinderbuch, ; Picture Book, ; hasta llegar a las obras actuales de artistas como Beuys, Brossa, Cage, Lewitt, etc.
Algunos críticos opinan que este fue el primer libro de artista. Sin embargo otros opinan que el artista Dieter Roth, alrededor del año , hace los primeros libros de artista al imprimir trabajos en offset, con edición limitada y controlada por el mismo artista aunque luego este se parodiara así mismo haciendo un sello con su propia firma.
Artistas como Ray Jhonson y el Grupo Fluxus con sus reproducciones baratas, las que se utilizaron para difundir manifiestos, postales, afiches, libros y objetos jugaron un rol determinante en ello; encabezados por John Cage, trabajaron en los años 60 paralelamente en Alemania, Francia, Japón, Nueva York y California además de otras grandes capitales de Europa.
El Grupo Fluxus nunca se constituyo formalmente pero si ciertas personalidades y autores desempeñaron un rol determinante. Fluxus era un estado de espíritu, una cultura totalmente nueva con expresiones dispares llenas de acciones y de happenings emparentándose en ciertos aspectos con el arte conceptual, su arte en gran parte efímero tuvo que plasmarse en publicaciones económicas que costeaban los propios artistas deseosos de producir y difundir sus obras y espectáculos musicales, muchas de ellas se vendieron por un dólar en las librerías y hoy en día son artículos codiciados por los coleccionistas.
Como veremos más adelante el arte correo, con sus peculiares características, hace uso de esta modalidad creativa, produciendo pequeñas ediciones de libros intervenidos, alterados, o editados con intervención de medios como el grabado, los medios digitales, la fotocopia, o simplemente a mano.
Estas técnicas de producción de imágenes son las que recurren a instrumentos y métodos no utilizados anteriormente por la grafica tradicional y que buscan establecer lenguajes visuales novedosos.
Según Ehremberg aquí se aglutinan medios de reproducción multiejemplar, es decir que permite una edición múltiple pero no elegidos por esa condición, ya que estas obras son por lo general ejemplares únicos, es decir no hay tiraje. Estas producciones y las distintas manifestaciones de las que hablamos en estas páginas precedentes son las que ayudaron a definir el perfil de un movimiento experimental latinoamericano, el literario concretista con tres marcadas ramas, la derivación estructuralista del grupo invención de San Pablo, la poesía Neoconcreta de Ferraira Gullar y la tendencia espacional de Wlademir Dias-Pino.
Marcando una línea propia el Rio de la Plata se centro en la figura de Edgardo Vigo y en la poesía Inobjetual de Clemente Padín.
El valor artístico de la poesía visual. Estos artistas provenían de grupos que trabajaban con poesía concreta, con libro de artista, y el arte conceptual entre otros. La producción literaria de muchos de estos autores que manifestaban una total independencia de pensamiento y acción.
Impactando en el campo de las artes plásticas y es aquí cuando las divisiones tajantes de las diferentes especialidades comienzan a desdibujarse al unirse estas disciplinas en pos de un discurso y el desarrollo de una obra. El concretismo literario surge, más o menos, simultáneamente, en Europa y en Latinoamérica: en se funda el grupo Noigrandes; en aparece el manifiesto "For Concrete Poetry" de Oyvind Flashtrom en Suecia y en aparecen las "Constelaciones" de Eugen Gomringer, poeta suizo nacido en Cachela Esperanza, Bolivia.
Fueron precisamente Gomringer y Decio Pignatari, poeta brasileño, los que acuerdan llamar Poesía Concreta al naciente movimiento poético, en La influencia del arte concreto será esparcida a partir de , con el triunfo de Max Bill en la 1er.
Bienal de San Pablo. Se empiezan entonces a estrechar importantes lazos de trabajo, colaboración y difusión de estas tendencias en nuestro continente. Ya en aparecen las primeras obras de los poetas concretos que, más tarde, en , a propósito de la Exposición Nacional de Arte Concreto, presentaba en San Pablo y Río de Janeiro, daban nacimiento a una de las corrientes artísticas más influyentes en nuestros días.
En se realizan las históricas exposiciones de Arte Concreto en el Brasil que harían conocer los primeros poemas concretos latinoamericanos dando comienzo a uno de los movimientos de mayor predicamento en el mundo en esta segunda mitad de siglo. El concepto de poesía concreta lo emplea, por vez primera, Gomringer, tras su encuentro con Decio Pignatari, miembro fundador del grupo brasileño de poetas concretistas Noigandres, en , en Ulm, cuando aquí trabajaba como secretario de Max Bill, en la Escuela Superior de Diseño.
El concepto de poesía concreta fue acuñado por Gomringer en analogía con aquel concepto desarrollado en el arte concreto, y es documentado por las innumerables concordancias y paralelismos entre los escritos de Bill y Gomringer. Desde sus comienzos la Poesía Concreta brasileña fue una propuesta dividida en tres tendencias, separadas por sutiles diferencias.
Missing La poesía visual, pese a su creciente popularidad como género literario emergente, enfrenta varios desafíos editoriales y académicos que moldean su evolución en La poesía visual contemporánea es una experiencia de intermedialidad. Se trata de una nueva literatura para un nuevo tiempo. Una literatura sin
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